El sexto programa, emitido el miércoles 19 diciembre de 2018, está dedicado a mujeres cantantes, compositoras e interpretes de diversos instrumentos en el ámbito del Jazz. Podéis acceder al podcast de audio del programa aquí: podcast va de ellas en Jazz.
En concreto está dedicado a Patricia Barber, Cassandra Wilson, Diana Krall, Madeleine Peyroux y Andrea Motis (ordenadas aquí por fecha de nacimiento, orden que no coincide con el del programa)
El programa empezó con dos canciones del disco de Patricia Barber Cafe Blue, Ode to Billy Joe (Bobbly Gentry) y What a Sham (Patricia Barber).
Fotografía, Jean Moss
Cafe Blué, de 1994, es el segundo disco oficial de Patricia Barber (Chicago, 1955), el tercero si consideramos el primero, que fue autoeditado. Este disco fue premiado en Down Beat como el mejor de vocalista de jazz.
En Ode to Billy, compuesta por Bobbly Gentry, aparecen patricia Barber en la voz, Michael Arnopol en el contrabajo, y Mark Walker en la percusión (en este caso solo chasquido de dedos). En What a Sham, compuesta por la propia Barber que canta y toca el piano también, aparecen además en el contrabajo Michael Arnopol, Guitarra John McLean, Percusión y batería Mark Walker.
En la página web de Patricia Barber hay mucha información interesante, por ejemplo las letras de sus canciones: http://www.patriciabarber.com/
El programa continua con el disco de Cassandra Wilson New Moon Daughter, de 1995, con dos composiciones de la propia Cassandra, Solomon Sang y Find him. En la primera acompañan a la cantante Kevin Breit y Brandon Rossa las guitarras acústicas, Dougie Bowne a la batería y Cyro Babtista, percusión. En segunda, Find him, aparecen Casandra Wilson con voz y guitarra, Brandon Ross con guitarra y Lonnie Plaxico al contrabajo.
Fotografía: David Mayenfishc
Nacida en 1955, estadounidense, empezó como vocalista a mediados de los 70, su carrera en solitario empezó a mediados de los 80, pero el éxito fue desde 1993 con Blue Light Til Dawn y en 1995 con New Moon Daughter. Su página web es la siguiente: https://www.cassandrawilson.com/
Y luego seguimos con nuestra jovencísima Andrea Motis, nacida en Barcelona en 1995, con su primer disco a su nombre Emotional Dances, ni más ni menos que con el sello Impulse!, disco aparecido en 2017. Andrea se formó musicalmente desde los 7 años, y es el prototipo de niña prodigio, con 12 ya colaboró con un grupo de jazz dirigido por Joan Chamorro, grabando un disco con él en 2015, con 20 añitos, “Joan Chamorro presenta Andrea Motis”. Canta genial y la novedad o rareza respecto de otras intérpretes de jazz es que también toca la trompeta, ¡y que bien además! La he visto en directo un par de veces y además de musicalmente una maravilla es que se la ve una chica muy sencilla y que no se lo tiene nada creído, o por lo menos no va en absoluto de diva, no la conozco personalmente, pero su actitud en los conciertos es de una chavala encantadora.
Fotografía, Carlos Pericás; diseño Françoise Bergmann
De este magnífico Emotional Dances he elegido dos composiciones de la propia Andrea, la que da título al disco y «If you give them more than you can». En la primera acompañan la bonita voz de Andrea, Joan Chamorro al bajo (¡que gran músico y que gran maestro debe ser!), Ignasi Terraza al piano, Jopep Traver a la guitarra y Warren Wolf al vibráfono. En la segunda, Andrea, además de cantar, toca la trompeta, y los músicos son los mismos, salvo que en vez del vibráfono aparece el saxo de Joel Frahm.
De la antidiva Andrea Motis pasamos a la diva Diana Krall (ciertamente se lo puede permitir porque es extraordinaria, lo que pasa es que no la he podido ver en directo porque para sacar entradas había que hipotecar la casa, la mía o la de alguien, así que lo deje pasar). De su amplia discografía he elegido el disco All for you. A dedication to the Nat King Cole Trio, de 1996, una gozada ciertamente, y en concreto dos temas: Ain’t I Good to You (de Don Redman y Andy Razaf) y Boulevard of Broken Dreams (Al Dubin y Harry Warren). El grupo lo conforman, además de Diana Krall cantando y al piano, Rusell Malonea la guitarra y Paul Keller al contrabajo, en la segunda se añade la percusión de Steve Kroon. Por cierto que el guitarrista Rusell Mallone, ya pondré algo de él en otro programa.
Fotografía, Tom Tavee. Diseño, Robin Lynch y Laurie Goldman
Y el programa concluye con otra cantante excepcional, Madeleine Peyroux, y su tercer disco, Careless Love, de 2004 y que fue el que la lanzó a la fama. He seleccionado las dos siguientes canciones: J’ai deux amours (música Vicent Scotto, letra Georges Koger y Henri Varna) y Don’t wait too long (Madeleine Peyroux, Jesee Harris, Larry Klein). Los músicos del disco son los siguientes: voz y guitarra acústica, Madeleine Peyroux; Piano y/o teclados, Larry Goldings; Contrabajo, David Piltch; batería y percusión, Jay Bellerose; Guitarra, Dean Parks.
Fotografía: Andrew Macnaughtan
La historia de Madeleine Peyroux (estadounidense, 1974) es de lo más curiosa. En su familia, algo alternativa, sonaba normalmente el jazz de Nueva Orleans y su madre la enseñó a tocar de pequeña el ukelele. Posteriormente su madre si instaló en Francia con sus dos hijos (parece ser que el padre pasaba de todo), y Madeleine ingresó en un internado inglés con 15 años, de donde se escapó, volviendo a París en autoestop. Al poco empezó a frecuentar a músicos callejeros del Barrio Latino de París, con los que luego empezó actuar. Más tarde se marchó a los Estados Unidos con 18 años y empezó a tocar en diferentes clubs de jazz. En fin, toda una odisea, nada que ver, por ejemplo, con Andrea Motis que sí tuvo una educación formal musical, pero, cuando el talento se desborda, ¡no hay quien lo pare! y el caso de Madeleine es un perfecto ejemplo.
El programa del 12 diciembre lo he dedicado a Johann Sebastian Bach (1685-1750), probablemente el compositor más productivo y prolífico de la historia de la música. Sobre la obra de Bach se pueden hacer multitud de programas, de hecho en Radio Clásica hay un programa semanal de una hora de duración exclusivamente dedicado a la música de Bach (la hora de Bach), con lo que imaginaros.
Así que me ha resultado difícil hacer una selección, seguramente con el tiempo dedicaré uno o dos programas más a Bach. Dicha selección la he hecho de los discos que tengo por casa, que son una pequeñísima muestra de toda la discografía de Bach, que es casi inabarcable. Y lógicamente de las piezas más conocidas, de las que a su vez también son una pequeña muestra. Aquí tenéis el acceso al podcast del programa en ivoox: Va de Bach
Fuente Wikipedia, Retrato de Bach por Elias Gottlob Haussmann en 1746
Y he empezado por un disco que contiene las variaciones Goldberg y el Pequeño libro para Ana Magdalena Bach, a cargo del pianista franco-rumano Andrei Vieru, en el sello Hamonia Mundi, editado en 1998.
En realidad las dos obras son originales para clave y/o clavicordio (que no es lo mismo, pero es igual, lo dejamos aquí), ya que el piano por entonces no estaba maduro, y esta interpretación es al piano. El piano fue una evolución del clave, que se llamaba pianoforte en italiano, en el clave original no podía haber variaciones en la intensidad del sonido, en el que clavicordio sí, aunque muy débil, y en el pianoforte sí de una forma ya completa, el nombre en italiano viene de piano (suave), y forte (fuerte), y luego se quedó con el nombre reducido.
En cuanto al intérprete, Andrei Vieru, es un tipo curioso, músico, escritor de temas filosóficos, pintor, matemático (podéis acceder a su interesante página web, pagina oficial de Andrei Vieru )
Portada del disco de Andrei Vieru en Harmonia Mundi, fotografía Frank Horvat
Del Pequeño libro para Ana Magdalena Bach, he seleccionado una de las piezas más conocidas de toda la obra de Bach, el preludio en do mayor, BWV 846.
El nombre de la obra completa parece que viene de un libro que regaló Bach a su segunda mujer, Anna Magdalena, en el que había transcripciones de piezas suyas y también recolección de otros autores o anónimas.
Con Anna Magdalena tuvo 13 hijos, después de haber tenido 7 hijos con su primera mujer, de la que enviudó, ¡en total 20 hijos! , ¡no solo era prolífico componiendo el amigo Johann Sebastian!. Parece que lo de enviudar ya venía de familia …. copio-pego de un texto de Luis Suñen en un disco libro sobre Bach
(Texto de Luis Suñen) “En 1694 murió su madre, Maria Elizabeth, y su padre, Johann Ambrosius, contrajo nuevas nupcias con Barbara Margaretha Keul, quien había enviudado ya dos veces. La tercera fue muy pronto, pues a los tres meses de su nueva boda murió el padre de Johann Sebastian”
Anna Magdalena Bach, en sección de grabado de Christian Friedrich Boetius
Esta es la imagen de Anna Magdalena Bach, pero si accedemos a la imagen completa nos encontramos con la siguiente, que es ciertamente inquietante ¿que hace el pollo ese con barbas y con una serpiente zascandileando por la falda de la señora esposa de Bach?
fuente Wikipedia, dominio público. Grabado de Christian Friedrich Boëtius (1706-1782)
Después he seleccionado tres piezas de las variaciones Goldberg, en concreto la famosísima aria que da comienzo a dichas variaciones, luego la variación 9 y la variación 21. Me han parecido las más tranquilitas y a mi de las que más me gustan. El primer biógrafo de Bach contó que estas variaciones las hizo para que un clavicenista, un tal Golberg, las interpretara para una persona importante al que servía, que tenía insomnio y las tocara toda la noche. Pero luego parece que esta historia no es real, y se quedó con ese nombre.
Son variaciones de corta duración, en torno a un minuto, sobre armonías similares, unas lentas y otras rápidas.
En uno de los programa previos que hice, el dedicado al piano (pianito tranki), hablé de Glen Gould y comenté que era un intérprete muy controvertido, porque solía cambiar mucho el tempo de las piezas. De hecho, versiones clásicas de Gould de Beethoven o Mozart a mi, la verdad, no me convencen, prefiero interpretaciones más ortodoxas. Pero mira tu por donde, en este caso sí me gusta más la versión del aria de las variaciones Golberg de Glen Gould (me refiero a la de 1981, que es la que tengo porque las grabó dos veces: en 1955 y esta de 1981). Aquí tenéis un enlace al aria de las Variaciones Golberg interpretada por Glen Goulg.
(nota: al acceder al podcast veréis a la derecha en «Más del programa» otros podcasts de ejemplos de grabaciones de las variaciones Goldberg a cargo de Glenn Golud y Andrei Vieru)
En relación con las variaciones Golberg, hay una novela maravillosa, La balada del abuelo palancas, de Félix Grande (poeta y flamencólogo), donde aparece en plan realismo mágico Bach para tocar las variaciones Golberg en el lecho de muerte de abuelo Palancas, y lo cuenta de una manera super bonita, de hecho, de ahí me vino el interés por esta obra de Bach, antes de leer esta novela, que me encantó, pues la verdad, solo había escuchado una vez las variaciones Goldberg y no les había pillado el puntito (sinceramente ahora tampoco a la obra completa, pero a la mitad de las piezas más o menos sí, me parecen de los más sugerente y bonito de escuchar, pero ya se sabe, la variedad está en el gusto)
Portada de la novela «La balada del abuelo Palancas» de Félix Grande
Después pasamos a una de las obras más conocidas de Bach, una autentica maravilla, el Concierto para dos violines en re menor BWV 1043. En el programa anterior, dedicado a Django Reinhardt(Djangoterapia) os puse una versión del primer movimiento, a cargo de Stephane Grapelli y Django Reinhardt. Y ahora va el original y completo, los tres movimientos.
Es la versión del grupo café Zimmerman, grabación de 2003, grupo especializado en música barroca (Página oficial de Cafe Zimmermann)
El programa continúa con otra pieza maravillosa, el Aria para Contraalto n.º 39, Erbarme Dich, mein Gott (apiadate de mi, Dios Mío), a cargo la Ensemble Orchestral de Paris bajo la dirección de John Nelson, y la contraalto Stephanie Blythe.
Luego seguimos con el Concierto de Brandemburgo nº6, quizá uno de los menos conocidos de los Conciertos de Brandemburgo. La versión es la del grupo Le Concert des Nations en Alia Vox, grabación de 1991, Dirección Jordi Savall
Por cierto, que Jordi Savall escribió un artículo muy interesante justificando su renuncia al Premio Nacional de Música y en defensa de la importancia del patrimonio histórico artístico. Aquí tenés el artículo: (“Música & humanismo”, El País, Babelia, 8 nov 2014, pag 17), y ya de paso me hago un poco de publicidad a mi mismo, ya que en otro blog hago una reflexión sobre el patrimonio histórico tecnológico haciendo uso de las acertada palabras de Savall («una reflexión …. «).
De todas formas, sí quiero comentar algo sobre algunos críticos o comentaristas musicales, algo pedantes en mi opinión, de esos que escriben para leerse ellos mismo pensando que bien escribo (se tanto que cuando hablo, me escucho y aprendo), de sus textos se deduce que la música clásica debe ser para las élites, y también debe ser seria y trascendente, lo que, en mi opinión, ha influido en alejar a mucha gente de la música clásica. Me refiero en concreto al texto que viene en el propio disco de Alia Vox, de un tal Gilles Cantagrel, del que os transcribo alguna selección:
“En este concierto, […] Bach trata el claroscuro con tanta inventiva como la mostrada al jugar con otras obras con los coloridos contrastados” […] .
“En todo el tema, el Allegro juega sobre un bordado del acorde perfecto en compás de danza noble. Si bien la estructura de esta parte adopta a grandes rasgos la aternancia tutti-soli, la labor contrapuntística está llena de entradas fugadas, cánones, con oposiciones de masas y matices.”[…]
Bach confía para el movimiento central en el trío formado por el bajo continuio y las dos violas, que se reparten una melopea meditativa y muy fluida compuesta por completo sin vueltas ni repeticiones.
[Respeto al Allegro dice]
El estribillo es lanzado por una anacrusa de las dos violas al unísono, un tema que salta en violentas síncopas
(Gilles Cantagrell, reseña en disco de Alia Vox)
En fin yo creo que estas palabras se comentan por si mismo sobre la tontería que hay a veces en torno a la música clásica. Al tal Gilles habría que recordarle que este tipo de textos publicados en la información asociada a un CD no son ni deben ser clases de musicología a nivel avanzado.
Las memeces que dice este pollo, me recordaron un cuento genial de Cortazar, al que podéis acceder aquí: Lucas y sus clases de español. Os recomiendo su lectura, es muy corto, porque además de que te partes de risa, es muy ilustrativo sobre el uso inadecuado del lenguaje en plan pedante cantamañanil.
Otro cuento genial del mismo Cortazar sobre la tontería que hay en la supuesta seriedad de los conciertos de clásica es Lucas y sus desconciertos.
Además, este texto del tal Gilles me parece un ejemplo perfecto de lo que Alan Sokal llamó “imposturas intelectuales”, en un libro buenísimo del mismo título, donde desmontaba con humor y rigor los supuestos escritos sobre filosofía de la ciencia de otros autores, que tienen que oscurecer premeditadamente su lenguaje para dárselas de trascendentes, y que en realidad no dicen nada interesante.
Ojo, no todos los críticos son así, sin ir más lejos hay dos buenos ejemplos de textos rigurosos y accesibles, sin pedanterías innecesarias, son los de Juan Ángel Vela del Campo y Luis Suñén, en sendos discolibros de Bach, que son los de las imágenes siguientes.
Y para acabar, como en el primer programa, dedicado a la sintonía (Programa . La sintonía de Va de Tranki: Bach, Davis, Waits ), puse los tres primeros movimientos de la Suite para violonchelo solo de Bach, intenté completar en este la audición con los otros tres movimientos, pero como me enrollé diciendo alguna parida que otra, pues no dio tiempo a que se oyeran todos, así que aquí van los tres últimos movimientos, (versión de Jehan-Guihen Queyras).
Por último, una recomendación, la de un libro del gran Douglas Hofstadter en el que habla del uso por parte de Bach de la recursividad en su música (recursivo hace referencia a que puede repetirse o aplicarse de forma indefinida). Y compara la recursividad de Bach en la música con la Escher en la pintura o la de Gödel en la matemática, haciendo uso de muchas paradojas de la cultura popular como la del mentiroso ( «Yo siempre digo la verdad». «La frase anterior es mentira») o la del que pide un deseo al genio de la lámpara diciéndole: “Deseo que no se cumpla mi deseo”. El título del libro ya nos da una idea: Godel, Escher, Bach. Un Eterno y Grácil Bucle.
¡ojo! No es un libro fácil, requiere tiempo y dedicación, pero el esfuerzo merece la pena.
Si os fijáis, sin necesidad de saber de música, es cierto que muchas composiciones de Bach parece que giran en torno a la misma melodía y parecen entrar en bucle, de forma similar al del muchos grabados de Escher.
Sobre esta litografía de Escher hay algún video de lo más interesante, por ejemplo este: Escher y el efecto Droste
En la Literatura también hay ejemplos muy curiosos sobre el uso de la recursividad, por ejemplo en Historia de una escalera de Buero Vallejo, o volviendo a Cortazar en uno de los cuentos del genial Cronopios y Famas, el denominado “Historia”, que por ser tan corto transcribo completo a continuación:
Historia (Historias de cronopios y famas, Julio Cortázar)
Un cronopio pequeñito buscaba la llave de la puerta de calle en la mesa de luz, la mesa de luz en el dormitorio, el dormitorio en la casa, la casa en la calle. Aquí se detenía el cronopio, pues para salir a la calle precisaba la llave de la puerta.
Y ya para acabar, volviendo a Hofstadter, enunció una ley a su nombre, en el libro citado, que dice más o menos que cualquier tarea te llevará más tiempo del previsto, incluso cuando se tiene en cuenta la Ley de Hofstadter.
Esta entrada que estoy finalizando es un ejemplo, calculé que me llevaría una tarde hacerla, pero pensé, tengo que aplicar la puñetera Ley de Hofstadter, luego me llevará una tarde y media mañana, pero como incluso aplicando la propia ley también llevará más tiempo, pues lo que me llevó hacerla se fue prolongando en el tiempo, así de forma recursiva hasta el infinito. Pero claro tardar infinito tiempo en hacer algo es no hacerlo, diréis, y esto es una paradoja porque la entrada está aquí y la estáis leyendo. En realidad no hay tal paradoja, porque lo que yo tenía previsto escribir aquí es mucho más de lo que usted, desocupado lector, está leyendo, luego es cierto que estoy tardando infinito tiempo, que es como decir que no lo he hecho. En realidad lo que esta usted leyendo, desocupada lectora, es solo una muestra fractal de lo que tenía en la cabeza, y así podría seguir escribiendo, y ustedes leyendo, hasta el fin de los tiempos, pero como ya estoy algo cansado de estar aquí haciendo el gilipollas pues sanseacabó (lo que me recuerda un chiste de Mafalda, en la que la madre le dice a su hijo Guille ¡sanseacabó! y no se si Felipe o Miguelito le preguntan a Mafalda que ha pasado y esta dice no se, pero algo se ha sanseacabado …… ) ¿veis como se cumple la puta Ley de Hofstadter? podría seguir así in aeternum cual variación Golberg.
El programa del 5 de diciembre de 2018, con el que se ha inaugurado el nuevo horario de emisión en Onda Latina (87,6 FM en Madrid; http://ondalatina.com.es), los miércoles de 16h a 17h, lo he dedicado a una selección de las primeras grabaciones de Django Reinhardt, en concreto las comprendidas entre 1934 y 1937.
Django reinhardt en 1946, fuente Wikipedia, Fotógrafo William Gottlieb
Podéis acceder al podcast asociado aquí (programa 4 Va de Tranki Djangoterapia), pero lamentablemente no es el del programa emitido, ya que hubo un problema técnico y no se grabó, por lo que en el podcast aparecen seguidas todas las canciones que se emitieron, incluyendo alguna más de mismo periodo, para completar la hora del programa.
Entre otras cosas comenté que dedicaba la sesión a dos buenos amigos: a Moni, por seguirme de forma tan entusiasta y con el objeto de ensayar con ella un nuevo tipo de terapia a distancia para su espalda, basada en un swing ideal para la elasticidad de sus discos interververtebrales, de ahí el nombre de Djangoterapia; y a Paco, que fue el que me hizo descubrir a Django y en general el jazz manouch.
A Django Reinhardt (1910-1953), gitano franco-belga, guitarrista y compositor, se le puede considerar el creador de un nuevo estilo o género musical, el jazz manouch (también conocido como gypsy jazz), un estilo en el que se fusionaron la música tradicional gitana (con influencias a su vez de diferentes tradiciones folclóricas europeas) con el swing americano. En este nuevo subgénero del jazz la sección rítmica se basaba en una o dos guitarras y un contrabajo, con ausencia de batería, y donde el instrumento protagonista principal de la melodía y la improvisación era la guitarra y a veces, o muchas veces, acompañada por el violín y/o el clarinete. De hecho este estilo dio lugar a la creación de un nuevo tipo de guitarra específica, la guitarra manouch.
Guitarra Selmer Maccaferri (ww.djangobooks.com)
Su principal colaborador fue el violinista Stephane Grapelli, de hecho en el grupo inicialmente creado, el Quintette du Hot Club de France, los dos solistas, Reinhardt y Grapelli, eran considerados los líderes del grupo. Más tarde la presencia del violinista fue intermitente y lo sustituyeron varios clarinetistas.
Django Reinhardt y Stéphane Grapelli, fuente: wikipedia, fotógrafo desconocido
Desde la adolescencia Django empezó a ser conocido como un virtuoso del banjo guitarra, o guitarra banjo (un banjo de seis cuerdas, el banjo original es de cuatro), instrumento que le regalaron cuando tenía 12 años. Pero a los 18 años, recién casado ya (era algo muy normal entre los gitanos) se incendió la caravana en la que vivía, cuyo resultado fue la inutilización de los dedos índice y anular de su mano izquierda. En su convalecencia probó con una guitarra, que parecía adecuarse mejor a las condiciones, teóricamente limitadas, de su mano. Y poco a poco fue surgiendo la leyenda.
Para más información, aparte de las entradas en wikipedia (muy completas las de inglés y francés), hay un libro magnífico en español, de Juan Pedro Jiménez Aparicio y Emilie Duran, Django Reinhardt. Un gitano en París, editorial Milenio, Lleida, 2012. De hecho, de este libro he sacado muchas de las notas que he puesto aquí. Por cierto que me lo compré en una de esas tiendas que hacen de Madrid un lugar mejor, Jazz y Mas (altamente recomendable, aquí os dejo su página web, jazzymas.com)
Portada del libro Juan P. jiménez y Emilie Duran, editorial Milenio, 2012
En cuanto a la lista de las canciones seleccionadas para el podcast, es necesario indicar que es muy difícil orientarse en la discografía de Django. Realmente Django no grabó ningún LP, o disco de larga duración. Sus grabaciones eran en discos de pizarra, una canción por cada cara. Precisamente murió cuando estaba grabando su primer LP en 1953. Por lo tanto, los CD’s y/o vinilos que hay a la venta en realidad son recopilaciones, y muchas veces ni viene fecha de grabación ni intérpretes de las canciones. También, como habréis notado, la calidad del sonido no es la que estamos acostumbrados. El motivo es porque en esos años no existía la Alta Fidelidad, que no empezaría a comercializarse hasta principios de los años 1950, y que básicamente consiste en que reproduce el ancho de banda entre 20 Hz y 20.000 Hz. En esos años los sistemas de grabación y reproducción no abarcaban más que un ancho de banda similar al telefónico o el de las emisiones de radio de onda media por amplitud modulada, de ahí que el sonido parezca cómo si lo escucháramos por teléfono o en una de las emisoras de entonces.
El criterio que he considerado es cronológico de la fecha de grabación hasta 1937, de los Cd’s que tengo en mi casa, dando prioridad a las compuestas por el mismo Django. Así que la lista de canciones que aparecen en el podcast es la siguiente (donde incluyo alguna información añadida, casi siempre del libro citado de Jiménez y Durand):
1. Dinah (Harry Askt, Sam Lewis , Joe Young) Quintette du Hot Club de France. DR g, Joseph Reinhardt y Roger Chaput, guitarra acompañante, Stéphane Grappelli, violín, , Louis Vola, contrabajo. Grabación 28 dic 1934.
Jospeh Reinhardt (1912-1982) era hermano de Django y le acompañó como guitarra rítmica en casi toda su carrera, en la que también fue fundamental el contrabajista Louis Vola (1902-1990). Hay información muy interesante sobre Jospeh Reinhardt en https://djangonewquintettclarinet.wordpress.com/2016/08/19/joseph-reinhardt/
2. Blue Drag (Josef Myrow) Quintette du Hot Club de France. Mismos intérpretes que la anterior. Abril de 1935.
3. Cette Chanson est pour vous (Alhert, Young, Vantard, Konyn) Jean Sablon – vo; Stéphane Grappelli – pf; Django Reinhardt – g; Joseph Reinhardt – g; Louis Vola – bs; 25 diciembre 1935. En realidad esta canción apareció en un disco a nombre del cantante Jean Sablon (1906-1994), conocido como “el embajador de la canción francesa”.
4 Swing Guitars (Django Reinhardt) Stéphane Grappelli – vln; Django Reinhardt – g; Joseph Reinhardt, Pierre “Baro” Ferret – g; Louis Vola – bs; 15 octubre 1936. Primera canción por fecha compuesta por el propio Django Reinhardt de las que tengo yo. No se si es la primera grabación de las compuestas por Django, lo tengo pendiente de comprobar, lo que no es fácil, y en su momento incluiré esa información.
5 , Charleston (James P. Johnsosn y Cecil Mack) Stéphane Grappelli – vln; Django Reinhardt – g; Pierre “Baro” Ferret, Marcel Bianchi – g; Louis Vola – bs; 21 abril 1937. El título de esta canción lo dice todo. Baro Ferret fue el padre de los famosísimos hermanos Bolou y Elios Ferré.
6 Tears (Django Reinhardt) Mismos intérpretes que la anterior. 21 abril 1937. Aunque en los títulos suele venir como compuesta por Django, en realidad es un arreglo de nuestro genio de una melodía gitana, a modo de canción de cuna usada por las gitanas para dormir a sus bebés.
7. St Louis Blues (W.C. Handy) Django Reinhardt – g; Louis Gaste – g; Eugène d’Helemmes – bs; 9 sept 1937. Uno de los blues más famosos de la historia, compuesto por W.C. Handy (1873-1958)
8 Bill Coleman Blues (Coleman) Bill Coleman – tp; Django Reinhardt – g; 19 nov 1937. Esta canción se grabó en una visita del trompetista Bill Coleman a Francia. Hay un disco de recopilación de sus grabaciones en Francia entre 1936 y 1938.
Portada del disco de recopilación de grabaciones de Bill Coleman con, entre otros, Django Reinhardt
9. Improvisation Concerto Re Menor Bach, Eddie South, Stéphane Grappelli – vln; Django Reinhardt – g; 25 noviembre 1937 . Es una versión del primer movimiento del famosísimo concierto para dos violines en re menor de Bach (BWV 1043). Aunque muchas veces en los créditos se dice que el arreglo fue de Django Reinhardt, en realidad es del violinista Eddie South.
Disco de Pizarra, versión de Concierto para dos violines de Bach
10. Minor Swing (Django Reinhardt y Stéphane Grappelli) Stéphane Grappelli – vln; Django Reinhardt – g; Joseph Reinhardt, Eugène Vées – g; Louis Vola – bs; 25 noviembre 1937. Una de las canciones más conocidas de Django, grabada en multitud de versiones hasta la actualidad.
Disco de pizarra de Minor Swing, por el Quintette du Hot Club de France
11. Paramount Stomp (Django Reinhardt). Michel Warlop, Stéphane Grappelli – vln; Django Reinhardt – g; Eugène Vées – g; Louis Vola – bs; 7 diciembre 1937
12. Swinging With Django (Django Reinhardt) . Mismos intérpretes que la anterior. 7 diciembre 1937
13. Mabel (Django Reinhardt ). Philippe Brun, Gus Deloof, Andr Cornille – tp; Guy Paquinet, Josse Breyère – tb; Maurice Cizeron – fl; Stéphane Grappelli – vln; Django Reinhardt – g; Joseph Reinhardt, Eugène Vées – g; Louis Vola – bs; 14 diciembre 1937. Dedicada a la cantante Mabel Mercer , con la que grabó Django algunas canciones y fueron muy amigos.
14. My Serenade (Django Reinhardt) Stéphane Grappelli. Stéphane Grappelli – vln; Django Reinhardt – g; Joseph Reinhardt, Eugène Vées – g; Louis Vola – bs; 14 diciembre 1937
15. Harlem Swing (Deloof) Philippe Brun et son “Swing Band”, Philippe Brun, Gus Deloof, Andr Cornille – tp; Guy Paquinet, Josse Breyère – tb; Max Blanc, Charles Lisee – as; Jacques Hélian, Alix Combelle – ts; Stéphane Grappelli – pf; Django Reinhardt – g; Louis Vola – bs; Maurice Chaillou – dr; 28 diciembre 1937.
16. Solitude ( Ellington, Delange, Mills ) Stéphane Grappelli – vln; Django Reinhardt – g; Pierre “Baro” Ferret, Marcel Bianchi – g; Louis Vola – bs;. Sesión grabada el 22 abril 1937, las siguientes pistas de la misma sesión y mismos intérpretes. Un standard del jazz grabado en infinidad de versiones, al igual que la siguiente, Body and Soul, y la otra del propio Duke que aparece en la lista, in a sentimental mood.
17. Body and Soul (Green, Hayman, Sour, Eyton) 22-4-1937.
18. Chicago (Fischer) 22-4-1937
19. Liebestraum n.º 3 (Liszt, arreglo de Reinhardt) 22-4-1937. Otro de los arreglos de Django de piezas de música clásica. En realidad, Django, a pesar de ser analfabeto, era una esponja para todo tipo de música, tenía lo que se conoce como “oído absoluto”, con lo que memorizaba perfectamente las melodías.
20. A little love, a little kiss (Silesu, Fischer) 22-4-1937
21. In a Sentimental Mood (Ellington, Kurtz, Mills) 22-4-1937
Como veis, Django ya se aproximó a la música de Duke Ellington, con el que haría una gira por los Estados Unidos en 1946, lo que será motivo de otro programa y entrada de este blog, pero de momento, a modo de regalito prenavideño, aquí os dejo un estupendo cómic sobre dicha gira.
Portada del cómic Django Reinhardt, de Aurel, Éditions Nocturne, Paris, 2003, que incluye 2 Cdś con selección de grabaciones de Django
Podéis acceder al cómic completo aquí mismo (cómic Aurel – Django Reinhardt). Quiero agradecer la generosidad y amabilidad de Aurel, quien me ha dado permiso para colgar aquí el cómic completo (escaneado del ejemplar que tengo). Este cómic no está disponible en español, y para la traducción me ha ayudado Moni. La página web de Aurel es magnífica y os la recomiendo, podéis accede aquí (lesitedaurel.com)
Para orientarse por las grabaciones y composiciones de Django Reinhardt , aquí os dejo dos enlaces, una con el listado, parece que completo, de todas las canciones grabadas y otra de todas sus composiciones, parece que también completo. El problema es que en el listado de grabaciones no viene el compositor, y en el de las composiciones de Django no viene la fecha de grabación, así que tengo pendiente mapear toda esta información para hacer un listado completo.
Por último, otro detallito más. Aquí os dejo las dos páginas que componen el cómic «A dos dedos del cielo» de Miguel Ángel Díez y Jorge García, a quienes también agradezco su generosidad por permitirme dejarlo aquí disponible. Este cómic fue reconocido en 2003 con un accésit en el Certamen de Cómic e Ilustración del INJUVE (Instituto de la Juventud, Ministerio de Cultura). Miguel Ángel Díez es un magnífico ilustrador, y podéis acceder a su blog en la siguiente dirección: miguelangeldiez.blogspot.com. Jorge García es guionista de cómics y mantiene una interesante página de Facebook que os recomiendo: Facebook de Jorge García
Cómic completo «A dos dedos del cielo», de Miguel Ángel Díez y Jorge García, Cómic e Ilustración INJUVE, Ministerio de Cultura, Madrid, 2003, Págs. 22-23
Desde luego hay mucho para elegir y se pueden hacer un montón de programas, sin repetirse ninguno de los que he elegido aquí. En este caso la selección ha sido la siguiente:
Credence Clearwater Revival. Disco Cosmo’s Factory (1970), el quinto disco del grupo (después de sacar tres! en 1969), que se disolvería poco después.
Portada de Cosmo’s Factory. Foto de portada Bob Fogerty)
Contraportada del vinilo Cosmo’s factory. Todas las fotos de Bob Fogerty
Canciones Who’ll stop the rain y Long as I can see the light (ambas de John Fogerty).
Tom Fogerty, guitarra rítimica; Doug Clifford, batería; Stu Cook, bajo, John Fogerty, guitarra y voz.
No he sabido localizar quien toca el saxo en la últimas canción, si alguien lo sabe que avise, por ahí se dice que el propio John Fogerty, pero no está claro.
Who’ll Stop the rain, la solía cantar Bruce Springsteen en sus conciertos si estaba lloviendo, de hecho era frecuente que cantara alguna de la Credence.
Bruce Sprinsgteen. Disco Bruce Sprinsgteen & The E Street Band, Live 1975-85. Canciones: Thunder Road (Bruce Sprinsgteen, grabado en directo en 1975; Roy Bittan, piano. Bruce, voz y armónica) y Jersey Girl (Tom Waits; grabado en directo en 1981. Roy Bittan, piano; Clarence Clemons, Saxo; Steve Van Zand, guitarra; Max Weinberg, batería; Garry Tallent, bajo; Danny Federici, Organo; Bruce, voz y guitarra).
Cubierta de Bruce Sprinsgteen & The E Street Band, Live 1975-85, foto de Neal Preston
Especialmente bonita esta versión tranki de la mítica Thunder Road.
Tom Waits, Disco Rain Dogs (1985), canciones Time (Tom Waits. William Shimmel, acordeón. Larry Taylor, bajo acústico. Tom Waits, voz y guitarra) y Dowtown Train (Tom Waits. Tony Levine, bajo. Mickey Curry, batería. G. E. Smith, guitarra. Robert Quine, guitarra. Tom Waits, voz y guitarra. Robert Kilgore, órgano. Michael Blair, percusión).
Portada de Rain Dogs (1980), foto de John Berg
Bob Seger. You’ll Accom Me (Bob Seger). Disco Against the Wind (1980). Bob Seger, voz y guitarra acústica; Chris Campbell, bajo; David Teegarden, batería; Bill Payne, piano, sintetizador; Sam Clayton, percusión
Bob Seger. We got Tonight (Bob Seger) Disco Greatest Hits (1994). Bob Seger, voz; Barry Beckett, teclados; Pete Carr, guitarra; Jimmi Johnson, guitarra rítimica; David Hood, bajo, Roger Hawkins, batería, percusión.
Ilustración de la portada Against the Wind (1980), Jin Warren
Portada del Grates Hits de Bob Seger (1994), foto de Karen Miller.
Warren Zevon. Disco The Wind (2003). Este fue el último disco de Warren Zevon, de hecho s epublicó una semana antes de morir de cáncer, y durante la grabación Warren ya era consciente delo poco que le quedaba. Quizá por eso canta de esa forma tan especial. La selección es la siguiente:
Knockin On Heaven’ s Door (Bob Dylan). Warren Zevon, voz; Tommy Shaw, guitarra acústica de 12 cuerdas; Randy Mitchell, guitarra; Brad Davis, gitarra; Steve Gorman, batería; Jorge Calderón, bajo
Keep Me In Your Heart (Zevon y Calderón). Zevon voz, Calderon, guitarra acústica y bajo, Jim Keltner batería)
Portada del disco de Warren Zevon (2013), foto de Mathew Ralston
Brendan Croker. Disco Brendan Croker & The 5 O’Clock Shadows (1989). He seleccionado dos canciones compustas por el mismo Croker: This Kind of Life (Brendan Croker, voz y guitarra; Eric Clapton, voz y guitarra; Marcus Cliffe, bajo; Steve Goulding, batería); Ain’t gonna smile (Brendan Croker, voz y guitarra; Marcus Cliffe, bajo; Steve Goulding, batería; Mark Cresswell, guitarra; Martin Drover, trompeta; Molly Duncan, saxofón; J. Neil Sidwell, trombón.)
Brendan Croker & The 5 O’Clock Shadows (1989), diseño de portada y fotografía, Keith Morris
Realmente Brendan Crocker es muy poco prolífico en cuanto a discos a su nombre (aunque sí ha participado en otros con multitud de gente). Este es su primer disco, para el que colaboraron ni mas ni menos que Eric Clapton y Marc Knopfler, con este último formaría la banda The Nothing Hilbillies
Y finalizamos con Steve Forbet y su tercer disco Little Steve Orbit (1980) (sus cuatro primeros discos son una maravilla).
Cubierta de Little Steve Forbet (1980), Foto de Elliot Landy, diseño de John Ber
Contraportada de LP (vinilo) Little Steve Forbet
Song for Katrina (Steve Forbet). Steve Forbet, voz, guitarra y armónica; Shane Fontaine, guitarra; Hugh McDonald, bajo; Bobby Lloyd Hicks, batería, percusión
Cellophane City (Steve Forbet). Steve Forbet, voz, guitarra y armónica; Shane Fontaine, guitarra; Hugh McDonald, bajo; Bobby Lloyd Hicks, batería, percusión; Bill Jones, Saxofón.
En esta sesión de Va de Tranki (Enlace al programa 2, emitido el 21 nov 2108) he programado los adagios de las cuatro últimas sinfonías de Beethoven, sí, efectivamente, el amigo Ludwig van Dabuthen, del que se hicieron muchos retratos, quizá el más famoso es el siguiente:
Retrato al óleo de Beethoven por Joseph K. Stieler en 1820 (fuente, Wikipedia)
Pero es posible que el autor forzara un poco el propósito de hacerlo más interesante, porque si veis la evolución de su careto en diferentes cuadros, no siempre sale tan agraciado, aquí va una muestra (podéis ver una lista completa de sus cuadros con los autores y fechas en la siguiente entrada de wikipedia: lista de retratos de Beethoven)
Retrato de Beethoven por Joseph W. Mähler en 1815 (fuente, Wikipedia)
Grabado de Beethoven por Blasius Höfel en 1814 (fuente, Wikipedia)
Retrato de Beethoven por Ferninand G. Waldmüller en 1823 (fuente, Wikipedia)
Empezamos con el segundo movimiento de la sexta, el andante molto mosso, en este caso interpretado por la Orquesta Sinfónica de Munich bajo la dirección de Hans Swarowsky (1899-1975). No he podido determinar la fecha de la grabación, porque en el disco que tengo pone 1990, que es la reedición, y para entonces el tal Hans estaba ya criando malvas. Como el disco que tengo tiene una portada lamentable, es de estos de recopilación baratillos, os pongo una muy bonita de un vinilo que he encontrado por ahí:
La sexta es conocida como pastoral, por sus indudables evocaciones de la naturaleza campestre, de hecho el propio Beethoven la subtituló “Recuerdos de la vida campestre” y dio títulos específicos a cada movimiento, en concreto al segundo lo denominó “Escena junto al arroyo”. Es cierto que cuando la oyes te puede sugerir perfectamente esos motivos, también es cierto que incluso esta sinfonía a algún amante de los Rainbow o ACDC le puede parecer un poco “pastelera” (nombre que por cierto le viene al huevo a “la pastoral”, ja, aja), lo que ni de coña le ocurre a ninguna de las otras sinfonías de nuestro amigo Ludwig, pero con la mente un poco abierta (lo que siempre es muy sano y recomendable, no solo para la música) si se escucha la sinfonía trankilamente no se puede concluir más que es una maravilla.
La finalizó en 1808 y se estrenó en un concierto memorable, celebrado el 22 diciembre del mismo año en Viena, en el que también se estrenaron la quinta sinfonía, el cuarto concierto para piano, la fantasía coral para piano y orquesta, y partes de su primera Misa. El concierto duró cuatro horas, lo que era una excepción para esos años. Podéis leer una entrada específica sobre el concierto en wikipedia.
Seguimos con la Séptima Sinfonía 7, el segundo movimiento, Allegretto, interpretado por la Philharmonia Orchestra en 1998, bajo dirección de Benjamin Zander.
Beethoven la compuso en 1812 y la estrenó él mismo en 1813, pero con resultado desigual por lo caótica de su dirección debido a sus ya graves problemas de sordera. Aun con todo, fue un éxito rotundo y el Allegreto tuvo que ser repetido a petición del público. De hecho este movimiento es una de las melodías más conocidas de la música.
Además, este disco del sello Telarc, con la quinta y séptima sinfonía, tiene un contenido adicional de lo más interesante, un segundo CD con las explicaciones del director a la música. En este enlace os dejo sus comentarios sobre el segundo movimiento de la séptima.
A continuación viene el segundo movimiento de la Octava Sinfonía, también Allegretto (aunque bueno, estos allegrettos vienen a ser como adagios), en este caso a cargo del director belga Philipe Herreweghe (1947) con la Royal Flemish Phiharmonic en 2007. Compuesta en 1814, es menos conocida quizá por estar situada en el tiempo entre dos exitazos, pero a mi personalmente me gusta mucho y en concreto este segundo movimiento, tiene mucho encanto, o a mi me lo parece.
Y ya, por último, pasamos a la Novena Sinfonía, de la que precisamente los más conocidos son el primer, el segundo y el cuarto movimiento, pero no el tercero, al adagio molto e cantabile. Y a mi me parece una maravilla, de hecho me parece que tiene un cierto aire precursor de los más conocidos adagios de la cuarta y quinta sinfonía de Mahler (es posible que esto que digo sea una chorrada o una herejía para los musicólogos muy puestos, ya he comentado que en realidad yo no tengo ni idea de música, simplemente es una intuición como oyente).
Manuscrito del cuarto movimiento de la novena (fuente: wikipedia)
La versión seleccionada es la de Claudio Abbado (1993-2014) dirigiendo en 1996 a la Orquesta Filarmónica de Berlín en el Festival de Salzburgo.
Para acabar con la parte clásica de la emisión seguimos con el famosísimo cuarto movimiento (que fue elegida en 1985 como el himno oficial de la Unión Europea), pero solo he radiado la parte instrumental, y es para que sirva de introducción, por lógica comparativa, a la versión cañera y genial que hicieron el grupo de rock duro Rainbow en 1985 en su disco Dificult to cure, versión que tiene el mismo titulo del disco con el añadido de (Beethoven’s nine). Por entonces Rainbow lo componían Ritchie Blackmore (guitarra y líder del grupo), Roger Glover (bajo), Joe Lynn Turner (voz) , Don Airey (teclados), Bob Rondinelli (batería)
Para acabar esta entrada os recomiendo dos textos interesantes sobre la novena (aunque coincide que precisamente del tercer movimiento, el adagio, se habla poco, pero están muy bien): uno de una web curiosa, círculo hermenéutico, y otro de la web personal de Francisco Gómez, un profesor universitario de matemáticas y con formación en música.
Sobre Beethoven hay mucha información en internet, una página muy completa, además de wikipedia que también lo es, es www.lvbeethoven.com, dedicada exclusivamente a su vida y obra (que también contiene información en español, aunque menos),
Respecto a museos dedicados a Beethoven, no conozco ninguno, pero en cuanto pueda veré dos: la casa-museo de Beethoven en Bonn, su cuidad natal (en la página web de este último además hay una guía disponible en español) y el que hay en Viena (en realidad es una parte del Wien Museum)
Recordaros la página web de la emisora, ondalatina.com.es, donde tenéis toda la programación de la radio con enlace a los podcast y mucha información.
Este primer programa de Va de Tranki, emitido el miércoles 14 de noviembre de 2018 en Onda Latina (87,6 ondalatina.com.es) está dedicado a la sintonía que he preparado del programa, que está compuesta por una pequeña selección de tres piezas, en concreto de Juan Sebastián Bach, de Miles Davis y de Tom Waits.
Lo podéis escuchar completo en podcast en la plataforma iVoox, aquí
Pensé mucho en diferentes piezas para componer la sintonía, pero tenia claro que, reflejando el espíritu del programa, tenían que ser una de clásica, una de jazz y una de rock (o blues, folk o similar). La de clásica dudaba entre algo de Bach, entre una de las delicatessen para piano de Erik Satie, el famoso adagietto de la quinta de Mahler o el de la séptima de Beethoven, todas muy conocidas. Para la de jazz había muchas opciones, alguna del Midnight Blue de Kenny Burrel, o del Idle Moments de Grant Grenn, o algo tranki de Saxo de Ben Webster o similar, pero al final me decidí por Miles Davis. Y para la de blues o rock más dudas todavía, en plan típica baladita de rock (por ejemplo de ACDC, jaja, me suena que es el único grupo de rock que no tiene ninguna balada grabada, supongo que habrá otros pero ahora no ve vienen a la quijotera) pero al final me decidí por una especie de folkrock con influencias jazzísticas, muy propia del primer disco de Tom Waits.
Bueno pues después de muchos dimes y diretes, de poner muchos discos, buscar, volver a escuchar y por supuesto desordenar aun más si cabe mis discos, convirtiendo la selección en un imposible entre el sindios que supone el vórtice de entropía en el que se había convertido el caos que campaba a sus anchas por el entorno de mi equipillo de música, pues al final concreté. Y la selección fue la siguiente:
Johann Sebastian Bach, Suite para violonchelo n.º 1, primer movimiento Preludio, intérprete Jean-Guihen Queyras, 2007.
Miles Davis, It never entered my mind (Richard Rodgerts) , disco Miles Davis vol 1, Blue Note, 1955. También en disco de recopilación Miles Davis, Ballads & Blues, 1996.
Tom Waits , Ol’ 55 (Tom Waits) , disco Closing Time, 1973
De esta forma, el programa lo conformaron estas tres piezas completas (ya que en la sintonía evidentemente solo había una pequeña selección) acompañadas de otras canciones de sus respectivos discos.
Así que el programa empieza por los tres primeros movimientos de la suite nº1 para violonchelo de Bach, sigue con dos canciones de Miles Davis del disco Miles Davis vol 1, Blue Note, 1955 y acaba con tres de Tom Waits de su primer disco, el Closing Time.
Empezamos con el amigo Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Compuso seis Suites para violochello solo entre entre 1717 y 1723. No tenemos noticia de la fecha exacta porque no se conserva el manuscrito original, si no una copia transcrita por su mujer Ana Magdalena años más tarde. Además parece que no se estrenaron en ningún concierto, en realidad se consideraban obras con propósito didáctico o de estudio y no parece que trascendieran, de hecho la primera impresión conocida no se hizo hasta 1824. Y en realidad no se dieron a conocer hasta que en 1925 el violonchelista Pau Casals las interpretó en público. En realidad Casals encontró las partituras de casualidad revolviendo en un mercadillo de segunda mano, cuando era un chiquillo, con 13 años, en 1890.Ni siquiera asabía, como no sabían muchos músicos, que existieran. Las estudió a fondo durante muchos años, las presentó en el concierto citado y después las grabó.
Las seis Suites para cello de Bach (BWV 1007-1012), están consideradas actualmente una obra maestras, y las más profundas del repertorio de violonchello. Después de conocerse gracias a Casals en el ámbito musical su popularidad creció constantemente desde entonces. Hoy en día estas las suites son casi una obligación para cualquier violonchelista, todos aspiran a tocarlas de la mejor manera posible. Las versiones clásicas en disco son las del propio Casals (las grabó varias veces) y la de Rostropovich, pero las grabaciones se han sucedido y se siguen produciendo de forma ininterrumpida. En este caso he seleccionado la del prestigioso violonchelista francocanadiense Jean-Guihen Queyras.
Además, sobre las suites hay un libro estupendo, de Eric Siblin, denominado «Las suites para violonchelo. En busca de Pau Casals, J.S. bach y una obra maestra», editado por Turner Música.
Os transcribo el texto de la contraportada, que es de lo más sugerente
Este libro es en parte una biografía, en parte una historia musical y en parte un relato de misterio, en el que se unen tres hilos narrativos. El primero lo protagoniza J.S. Bach, y la partitura de las suites, escrita en el siglo XVIII y desaparecida; el segundo sigue a Pau Casals, y su histórico descubrimiento de estas piezas de Bach a finales del siglo XIX; y por fin, llegamos al siglo XXI y al autor de este libro, a su obsesión por las suites tras oírlas en directo casi por casualidad, y al gran viaje que emprende tratando de desentrañar sus misterios.
El libro me encantó y por supuesto lo leí con las suites de Bach de fondo, como un señor en mi sofá. La obsesión de este tío, el tal Siblin, por comprar todo tipo de discos y en diferentes versiones de esa obra me recordaba la mía con el Nuages de Django Reinhardt o el Round Midnigth de Monk, entre otras. Cuando ojeé el libro pensé que este pollo estaba más zumbado todavía que yo, así que me lo pillé.
El programa continúa con Miles Davis (1926-1991), en concreto dos canciones del disco para Blue Note de 1955 Miles Davis vol 1, la de la sintonía It never entered my mind y Weirgo.
La primera, It never entered my mind, es una composición de Richard Rodgers, que se ha grabado en infinidad de versiones (Stan Getz, Chet Baker, Ben Webster, Sarah Vaugan, Ella Fitgerald, Frank Sinatra, etc.). Para las versiones vocales Lorenz Hart añadió posteriormente letra a la canción. En mi opinión, esta de Miles Davis es sublime, yo diría quizá de Davis y de Horace Silver, porque la contribución de este último al piano es esencial.
Richard Rodgers (1902-1979) fue un compositor estadounidense de la época dorada de los musicales de Brodway (por ejemplo Sonrisas y Lágrimas) y colaboró bastante con Lorenz Hart (1895-1943, letrista), fueron también autores de la inmoral Funny Valentine, interpretada también cientos de veces.
La segunda canción seleccionada de este disco es Weirgo, compuesta por el mismo Miles Davis y en la que se crea una atmósfera de esas ideales para una tarde con musiquita tranqui.
En ambas canciones los intérpretes son los mismos: Miles Davis a la trompeta; Horace Silver al piano; Percy Hearth al contrabajo; Art Blakey ala batería. Recordaros que están también en el disco de recopilación de Miles Davis, Ballads & Blues.
Por último pasamos a un disco maravilloso, el primero, de 1973, de Tom Waits, Closing Time. Todo el disco es la leche y he seleccionado tres baladitas, a cual mejor, Ol’ 55, I Hope That I Don’t Fall in Love with You y Old Shoes (& Picture Postcards), todas compuestas por el propio Tom Waits
En los créditos de este discazo aparecen los siguientes músicos: Delbert Bennett, trompeta; Shep Cooke, guitarra y voces; Arni Egilsson, bajo; Jesse Ehrlich, violochello; Peter Klimes, guitarra; Bill Plummer, bajo; John Seiter, batería y voces; Tony Terran, trompeta; y Tom Waits, voz principal, celeste, guitarra y piano.
Una anécdota curiosa, la portada del álbum fue diseñada por Cal Schenkel, ilustrador y especialista en diseño de portadas de discos, en especial de los de Frank Zappa.
Las letras originales en inglés aparecen en la propia página oficial de Tom Waits, http://www.tomwaits.com/songs/#/songs/ y a continuación os incluyo aquí las traduccines al español.
Ol’55
Mi tiempo se fue tan rápido
que salí a toda prisa con mi viejo 55
Mientras conducía lejos lentamente, sintiéndome tan sagrado,
Dios sabe que me sentía vivo
Y ahora el sol está saliendo, voy con la dama suerte,
la autopista, coches y camiones
las estrellas empiezan a desvanecerse, y yo dirijo el desfile
sólo deseando haberme quedado más tiempo
O Señor!, déjame decirte que el sentimiento se está haciendo más fuerte
Son las seis de la mañana,
no me lo advirtió, tenía que ponerme de camino
Bien, hay camiones pasando junto a mi y luces brillando,
Voy de camino a mi casa desde la tuya.
Y ahora el sol está saliendo, voy con la dama suerte,
la autopista, coches y camiones
las estrellas empiezan a desvanecerse, y yo dirijo el desfile
deseando haberme quedado más tiempo
O Señor!, déjame decirte que el sentimiento se está haciendo más fuerte
Mi tiempo se fue tan rápido,
que salí a toda prisa a mi viejo 55
Mientras conducía lejos lentamente, sintiéndome tan sagrado,
Dios sabe que me sentía vivo
Y ahora el sol está saliendo, voy con la dama suerte,
la autopista, coches y camiones…
I Hope That I Don’t Fall in Love With You
Espero no enamorarme de ti
Porque enamorarme me pone triste
La música suena y tu muestras tu corazón para que lo vea
Tomo una cerveza y oigo que me llamas
Espero no enamorarme de ti
La habitación está abarrotada, gente por todas partes
Y me pregunto, ¿debería ofrecerte una silla?
Si te sentaras con este viejo payaso, cogería ese ceño y lo rompería
Antes de que la tarde se haya ido, creo que podemos conseguirlo
Y espero no enamorarme de ti
La noche hace cosas extrañas dentro de un hombre
Estos sentimientos de gato viejo que tú no entiendes
Me giro para mirarte, enciendes un cigarrillo
Ojalá tuviera agallas para sablearte uno, pero no nos conocemos,
Espero no enamorarme de ti
Puedo ver que estás sola como yo,
y siendo tarde, te gustaría algo de compañía.
Me giro para mirarte, y me miras.
El tipo con el que estás se he levantado y se ha ido, la silla de al lado está libre
Y espero no enamorarme de ti
Es hora de cerrar, la música se desvanece
última llamada para bebidas, tomaré otro trago fuerte
Me giro para mirarte, pero no estás en ningún sitio
Busco en el local por tu cara perdida, supongo que tomaré otra ronda
Y creo que me acabo de enamorar de ti
Old Shoes (& Picture Postcards)
Estoy cantando esta canción, ya era hora de que fuera cantada
La he estado apartando durante un tiempo
Pero es más duro ahora, porque la verdad está tan clara
que lloro cuando te veo sonreír
Así que adiós, hasta la vista, la carretera me llama, querida
Y tus lágrimas ya no pueden atarme más
Y hasta la vista a la chica con el sol en sus ojos
Puedo besarte, y me habré ido.
Cada vez que intenté decirte
que habíamos perdido toda la magia que teníamos al principio
Lloraba mi corazón cuando te miraba a los ojos
Y busqué la chispa una vez más
Así que adiós, hasta la vista, la carretera me llama, querida
Y tus lágrimas ya no pueden atarme más
Y hasta la vista a la chica con el sol en sus ojos
Puedo besarte, y me habré ido.
Puedo ver por tus ojos, que es hora de irme
Así que te dejaré para llorar bajo la lluvia
Pese a que tuve en mi mano la llave de la felicidad
Cariño, mi corazón no nació para ser dominado.
Así que adiós, hasta la vista, la carretera me llama, querida
Y tus lágrimas ya no pueden atarme más
Y hasta la vista a la chica con el sol en sus ojos
Puedo besarte, y me habré ido.
En esta sesión de prueba, dedicada a la guitarra, he querido mostrar el carácter ecléctico del programa, con selecciones de guitarra clásica, de temas de jazz en el que la guitarra es coprotagonista, de flamenco y de blues y/o rock (porque a veces la definición es difícil, como veremos).
De esta forma doy comienzo con una pieza universalmente conocida, el adagio del Concierto de Aranjuez de Rodrigo. Joaquín Rodrigo (1901-1999) compuso el Concierto de Aranjuez en 1939 en París, aunque parece que le dio los últimos retoques al volver a España tras acabar la Guerra Civil. Es su trabajo más conocido, siendo un éxito mundial sin precedentes en un compositor vivo de clásica, en esos años, especialmente el adagio. Además posteriormente se hicieron varias versiones jazzeras (Miles Davis, Jim hall, por ejemplo) y en el ámbito de la música popular (dedicaré un programa específico a las diferentes versiones del concierto de Aranjuez, por lo que dejo aquí quieto parao el tema)
Joaquín Rodrigo (fuente, diario El Mundo)
La versión aquí seleccionada es la de la Orquesta Sinfónica de RTVE), grabación de 1969, siendo el guitarrista el también conocidísimo Narciso Yepes (1927-1997).
Portada del disco Joaquín Rodrigo – Narciso Yepes, Deutsche Grammophon
Continúa el programa también con Narciso Yepes a la guitarra interpretando en 1977 dos composiciones de Francisco Tárrega (1852-1909), compositor y también guitarrista, además virtuoso de su instrumento predilecto, por lo que era conocido como el Sarasate de la guitarra (en honor a otro virtuoso español, esta vez del violín, Pablo de Sarasate). He seleccionado el Capricho Arabe, y Marieta, Mazurka en la menor (en honor a su hija María Rosalía, a la que en su familia la llamaban Marieta).
Francisco Tárrega (Fuente, Wikipedia)
Portada del disco Guitarra Romántica, 1977, Deutsche Gramophon
Contraportada del disco Guitarra Romántica, con información en español interesante
De la guitarra clásica pasamos a la de jazz de la mano de Jim Hall, un gran conocedor de la música clásica. Se trata de la canción compuesta por el propio Hall, Down fron Antigua , del disco de 1993 Something Special (1993). A Jim Hall le acompañan unos excelentes Larry Goldings al piano y Steve Laspina al bajo. Es posible que en la radio quizá no se oiga bien la forma tan sutil con la que da comienzo la canción, por el bajo nivel de la grabación original, pero si estáis atentos la canción es la leche.
Portada del disco Something Special, Ilustrador Gary Larson
Por cierto, que en el programa comenté que en los títulos de crédito del CD que tengo no venía nada del ilustrador de la portada, que es genial, a mi por lo menos me encanta. Pues bien, en esa estupenda base de datos que se llama AllMusic.com lo he localizado, se trata de Gary Larson, el creador de la tira cómica The Far Side. Tenéis una estupenda entrada en español sobre la obra de Gary Larson: El lado más lejano: una introducción a Gary Larson
Para continuar he elegido una canción del disco conjunto entre Jim Hall y el pianista Bill Evans, un disco maravilloso (todo el disco), Undercurrent, de 1962. La canción es Romain (compuesta por el propio Jim Hall), es un disco de solo piano y guitarra, y los dos genios se compenetran a la perfección en una linea muy similar en todo el disco.
Portada del disco Undercurrent, en la Blue Note
La influencia de Bill Evans, que sería absoluta en el éxito del Kind of Blue de Miles Davis, se deja notar hasta fechas recientes, cuando el guitarrista flamenco Niño Josele dedicó un disco completo a composiciones del pianista o canciones frecuentemente interpretadas por Evans, Paz, grabado en 2006.
Niño Josele (Fuente, Wikipedia)
La canción para elegir era obvia, Waltz for Debby, y la sensibilidad que muestra Josele al interpretarla es increíble. Al Niño Josele le acompañan Marc Johnson al contrabajo y Horacio el Negroa la batería.
Portada del disco Paz, Diseño: estudios Mariscal
El diseño de la portada y de todo el disco es de los Estudios Mariscal, sí los de Javier Mariscal , el del Coby (www.mariscal.com) y el disco fue producido por el cineasta Fernando Trueba y el músico Javier Limón.
Os transcribo aquí el texto de Trueba y Limón sobre la interpretación que aparece en el propio CD (ellos escriben mucho mejor que yo, así que lo copio, «con comillas», por aquello de los plagios)
«Tras el prólogo,el disco arranca con Waltz for Debby, una de las piezas que definen a BillEvans como compositor. Casi podríamos decir su firma. Tampoco puede decirse que sea especialmente jazzística. Se trata de un vals dedicado a su sobrina que Evans escribió en 1954, a los 25 años, recién acabado su servicio militar. Lo grabó por primera vez a piano solo y en una versión de poco más de un minuto en su primer disco New Jazz Conceptions y lo seguiría grabando a lo largo de su vida, aunque la versión que se considera canónica es la que se grabó el domingo 25 de junio de 1961 en el Village Vanguard. Josele lo toca en ritmo ternario y luego en binario. El gitano rebosa swing. Marc Johnson, contrabajo del último trío de Bill Evans,hace su entrada solapándose con la guitarra. Inmediatamente, aparece un Horacio “El Negro” Hernández nada latino,con ecos de Paul Motian y ya tenemos al dream trío.» (Fernando Trueba y Javier Limón)
Evidentemente, no podemos hablar de guitarra flamenca sin citar a Paco de Lucía, aunque el disco de Josele no es flamenco, pero bueno, Josele, salvo excepciones. es un guitarrista flamenco, además excelente. Para esta sesión de guitarrita tranki he seleccionado la taranta compuesta por el propio Paco que da título a su disco Fuente y Caudal de 1973). Otra maravilla.
Portada del disco Fuente y Caudal
Y del flamenco pasamos al blues, en este caso un autor actual, Kelly Joe Phelps en su disco Roll Away the Stone (1997), sorprendente su voz y el sonido de la guitarra, que toca al estilo Stanley Jordan, como el piano, poniéndosela encima de sus piernas.
Kelly Joe Phelps con su forma peculiar de tocar la guitarra (fuente, Wikipedia)
Portada del disco Roll Away the Stone
para acabar volvemos unos años atrás con un disco no se si de blues progresivo o directamente rock , el primer álbum de los inmortales Ten Years After, de 1968, con Alven Lee (voz y guitarra), Ric Lee (batería), Leo Lyons (bajo ) y Chick Churchill (teclados). Las elegidas han sido I Can’t Keep From Crying, Sometimes (Kooper) y Don’t Want You Woman (Alven Lee). Flipante estas canciones y flipante todo el disco, bueno, la verdad, como todos los de Alven Lee and company.
Alven Lee, el líder de los Ten Years After, guitarrista, cantante y compositor de un alto porcentajes de los los temas del grupo, una máquina (fuente, Wikipedia)Portada del primer disco de Ten Years After, sin título especifico
Este primer programa de prueba, emitido el domingo 4 de noviembre (con bastantes fallos, por cierto, por algo era de prueba) lo podéis escuchar en el podcast siguiente de la plataforma ivoox:
El programa comienza con el pianista Red Garland (1923-1984), que aunque tuvo una importante carrera como interprete principal, grabando a su nombre varios discos de trío clásico (piano, bajo y batería), en realidad se hizo famoso al ser el pianista del Miles Davis Quintet a mediados de los 50.
Red garland en 1978 (Fuente, Wikipedia)
He seleccionado dos baladas del disco Red Garland’s Piano, 1957, en el que le acompañan al contrabajo Paul Chambers (1935-1969) y a la batería Art Taylor (1929-1995).
Portada del disco Red Garland’s Piano, 1957, Prestige Records
La primera es una composición de Percy Mayfield (1920-1984), Please send me someone to love y la segunda de Ray Noble (1903-1978), The very thought of you. Aunque podía haber seleccionado perfectamente otras, porque todo el disco tiene una linea similar y todas las canciones del álbum son buenísimas.
Seguimos con otras dos baladas de otro gran pianista, McCoy Tyner (1938) ambas de su disco Night of Ballads&Blues, de 1963.Tyner también es recordado por ser el pianista de otro grupo, liderado en este caso por el saxofonista John Coltrane, pero los discos a su nombre son también, como los de Garland, muy relevantes. En este caso, todo el disco Night of Ballads&Blues es una maravilla.
McCoy Tyner, en 1973 (Fuente, wikipedia)
Para la selección, me decidí por dos versiones de sendos clásicos o standars, como suele decirse: el Satin Doll de Duke Ellingtoon, y el Round Midnight de Thelonius Monk (aunque en los créditos del CD vienen como autores, además de Monk, Bernie Hanighem y Cootie Williams; en realidad parece que la idea original es de Monk y para la composición definitiva contribuyó el trompetista Cootie Williams, más tarde Bernie Hanighem le añadió letra para la versión vocal).
Portada del disco Nights of Ballads & Blues, versión original en Impulse de 1963, y versión en CD de 1997, también en Impulse
A McCoy Tyner le acompañan, maravillosamente bien, por cierto, Steve Davis (1929-1987) al bajo y Lex Humphries (1936-1994) a la batería.
Por cierto fijaros qué imagen más chula he encontrado por ahí de Lex Humpries, de publicidad de una marca de baterías
Y del piano de jazz pasamos al piano clásico de la mano de Beethoven y sus conocidísimos adagios de las sonatas para piano n.º 14, op. 27 “Claro de Luna” y n.º 8, op. 13 “Patética” , en este caso interpretadas por el excéntrico Glenn Gould (1932-1982). Gould grabó en 1966 y 1967 las tres sonatas para piano de Beethoven más famosas (la tercera es la n.º 23 “Apassionata”) y el disco correspondiente apareció en 1970. Fue un escándalo, con opiniones a favor y en contra, por su forma de cambiar los “tempos”.
Portada del disco de Glenn Gould con Columbia en 1970
Sobre Glend Gould se ha escrito mucho, precisamente por su carácter excéntrico y su genialidad, de la que ya dio cuenta incluso desde su infancia y adolescencia. Pero aquí os dejo referencia de un cómic sobre su vida que me encanta.
Portada del cómic de Sandrine Revel, “Glenn Gould, una vida a contratiempo”, imagen tomada de la web de Astiberri
Por cierto, que habrá que seguir a la autora, Sandrine Revel, que se encarga tanto del guión con del dibujo, me parece buenísima, recibió el premio Alph-Art de Angouleme en 2001 por la serie, Un drôle d’ange gardien, que yo sepa no editada en España (a ver si se anima Astiberri o cualquier otra editorial de cómic en nuestro país)
Para que comparéis la forma de tocar de Gloud con otra más ortodoxa, os dejo aquí dos pistas de audio, una de Gould y otra de 1995 de la pianista eslovaca Sylvia Capova, para que vosotros mismos comprobéis la diferencia.
Que queréis que os diga, a mi me gusta más la forma clásica (la de Sylvia Cappova, que comprobareis dura más, ya que el tempo es más lento que el de Gould), yo no tengo formación musical, ni se leer música o interpretarla desde el punto de vista técnico musicalmente, solo se si me gusta o no, no soy capaz de valorar si técnica o musicalmente una versión es mejor que otra. Al respecto en otra entrada ya hablaré otro día sobre lo que me parece algo o bastante tontería en el mundo de la crítica musical de clásica, llámese tontería o pedantería, que hay mucho, no siempre claro.
Y más de uno pensará que si no me convence la versión de Gould de las sonatas para piano de Beethoven ¿por qué he seleccionando esas para el programa? Muy sencillo, porque junto con la música, otra de mis pasiones es el cómic, y quería tener una buena excusa para hablar del estupendo cómic de Revel sobre Gould, jeje , ¡toma ya criterio amusical!
Pero bueno, volvamos a nuestro amigo Ludwing. Compuso la sonata n.º 8, op 13, hacia 1978, a los 27 años, a la que se puso el sobrenombre de “patética”, pero no por el, sino más tarde, probablemente por el editor de la partitura, denominación a la que Beethoven no se opuso. El nombre de “patética” es debido al grave inicial que da un tono melancólico a toda la sonata.
La n.º 14, op.27 la compuso en 1801. Esta vez el sobrenombre de “claro de luna” se lo puso un editor de la partitura mucho después de la muerte del compositor, nombre acertado porque es cierto que es mucho más fácil de recordar. Beethoven la compuso para una discípula suya, Julieta Guicciardi, de la que se había enamorado.
Portada de la 1ª edición de la partitura de la Sonata nº 14 (ahí no aparece el nombre Claro de Luna y sí la dedicatoria a su amada). (fuente: wikipedia)
Para acabar el programa he seleccionado el superbonito segundo movimiento, el andante con moto (¿yamaha?, pues no, con moto indica algo más rápido que el andante, quien a su vez es un pelín más rápido que el adagio, ¿clarinete no? ) del concierto n.º 4 para piano y orquesta, que compuso entre 1805 y 1806, en concreto en una grabación de 1999 a cargo de la Royal Philarmonic Orchestra, dirigida por Howard Shelley y al piano Michael Roll (muy conocidos en su casa por cierto)
Portada del disco de Howard Shelley, muy chulo el dibujo por cierto
En el andante hay un diálogo evocador entra la orquesta y el piano. Hace muchos años, cuando todavía no existía en Auditoria Nacional de Madrid, y los conciertos se realizaban en el Teatro Real (antes de su remodelación) asistí a un concierto en el que se interpretaba el quinto para piano de Beethoven y otra obra que no me acuerdo (estoy hablando de 1984 aproximadamente, ¡hace casi 35 años!). Pues bien, como era una orquesta invitada, hubo un bis de regalito para los asistentes, y fue precisamente el andante del 4º concierto, y el director nos contó que en dicho diálogo la orquesta representa el autoritarismo y el piano la tolerancia, triunfando esta última con el comienzo del tercer movimiento, el rondó vivace, donde orquesta y piano ya se alían sin contraposición. ¿mola eh? Si después de esta chapa volvéis a escuchar el segundo y tercer movimiento de forma conjunta del concierto, seguro que os gusta más.
Se inaugura un nuevo programa musical en la radio, en concreto en Onda Latina (ondalatina.com.es), en el 87,6 de la FM (zona Aluche en Madrid). Desde aquí agradezco a los responsables de la emisora esta oportunidad que me han facilitado. Se emite los miércoles de 16h a 17h, con una periodicidad semanal. En la web de onda latina aparecerá en breve la secuencia de repetición de cada episodio.
Va a ser un programa de música de todos los estilos (clásica, jazz, blues, soul, rock, flamenco, etc) con la característica común de música relativamente tranquila y relajante, pero eso sí, ¡buena música! nada de chorradas etéreas, que, como decía Miles Davis, para eso ya tenemos el ruido del mar.
En principio cada programa estará dedicado a un tipo de música, preponderando la clásica y el jazz, y habrá especiales, por ejemplo dedicados a un músico en particular, de baladas de rock, dedicado a un instrumento.
Todos los programas los podréis escuchar y descargar en la plataforma ivoox, buscando por TrankiMusic» o por «Va de Tranki».
En este blog, con cada podcast nuevo incluiré una entrada asociada a cada emisión la que se detallará información sobre las canciones incluidas, autores, discos, portadas, etc.
VadeTranki 